Ave Cesar, los que van a morir te saludan

Gladiator II ha llegado a nuestras pantallas. Ridley Scott ha dado una nueva muestra de que la historia le suda los cojones y vuelve a plantar un espectáculo visual en la arena dando al público todo el circo que queremos. Nos ha dado monos, rinocerontes y naumaquías con tiburones. Ridley sigue siendo único en darnos espectáculos pulp, aunque me temo que su actual rapidez le ha hecho estar por debajo de mis espectativas. O eso o que Gladiator, la primera, era un espectáculo loquísimo al que ponía en orden las actuaciones, sobre todo la de Russel Crowe.

Es conocido que la producción de Gladiator fue un caos, con muerte de Oliver Reed tras una borrachera mítica incluída. Russel Crowe no estaba muy conforme con el guión y tras una escena, espeto al guionista que menos mal que era el mejor actor del mundo porque podría hacer que esa mierda sonase bien.  Russel Crowe es un actor magnífico que además tenía el físico adecuado. Y además los secudnarios acompañaban, sobre todo Joaquin Phoenix como emperador loco.

Regreso a la escritura de cine. Rejuvenecimientos y relaciones sociales.

Han pasado muchos años desde que me cansé de escribir reseñas. Cosa que todavía me da alergía. No le veo mucho sentido escribir sobre una película, o cualquier cosa, como si alguien me leyese y pensase que mi opinión fuese relevante para ver la película  o no. Pero a la vez llevo un mes con ganas de escribir sobre cine y dar desarrollo a mis pensamientos. He escrito y borrado más de un intento de artículo como esté y me he atascado en el primer párrafo. También he hecho esquemas de artículos que ni siquiera han llegado a la página en blanco.  La verdad es que ante todo he decidido escribir sin mucha idea de lo que hago para reordenar mis ideas y dejar constancia de mi opinión por escrito para leerme dentro de unos años y decirme que soy un absoluto gilipollas. Asi que no tengo muy claro que demonios va a salir, pero ahí va.

En fin, vayamos al cine. Hablo de Seconds, La Sustancia, Anora y Statlet. Voy en modo libre así que no me cortó con spoilers si me salen.

Despedí la pasada semana viendo una cosita llamada Seconds – Plan Diábólico en español – de 1966. John Frankenheimer dirige una peli sobre un hombre de mediana edad que decide someterse a una operación para conseguir una versión más joven que él. Y esto nos lleva a uno de los grandes éxitos de la cartelera: La Sustancia. Ambas son similares en su planteamiento. Dos personas de éxito y a la vez desdichadas y frustradas que ansían una segunda oportunidad y una empresa misteriosa contacta con ellos para ofrecersela. El planteamiento es similar y es probable que Coralie Fargeat tomase apuntes de Seconds, al igual que en la descripción de Filmin enumeraba a Abre los Ojos de Aménabar o La Piel Que Habito de Almodóvar como otros ejemplos de películas que bebían de ella. 

Drácula (1931)

¡Buuu! Os doy la bienvenida a mi festival de lo macabro, mi circo de los horrores, mi gabinete del susto que te mueres. Soy el doctor von Hohenzollern (sin relación), vuestro guía en este pasaje a lo más recóndito de vuestros miedos.

Mira tu reloj. Si no tienes un Viceroy, el del móvil me vale. Es de noche. Quizá no donde te encuentras ahora mismo, tal vez descansando plácidamente en un sofá, mojando unas galletitas en una leche calentita, o quién sabe si mojando los pies en el Mar Menor. No te conozco. Pero hay algo en tu mente, quizá algún orgánulo de nuestro cerebro reptiliano ya obsoleto, que sabe que alguna parte de esta canica azul que llamamos Gaia el viejo astro Sol se ha puesto, y que sólo la misma fe que nos lleva a enterrar a los muertos nos hace creer que volverá a aparecer, mañana. Y sin embargo, hasta que nuestras esperanzas se vean confirmadas con el primer rayo de luz del alba, cedemos el terreno a las tinieblas, y a los monstruos que habitan en ellas.

Pipol in da House (Temporada 1, 2018)

La suerte sonríe a los valientes, dicen. Pues llamadme "trébol de cuatro hojas", porque hoy me sumerjo en algo que promete ser de lo más radioactivo que ha visto y verá jamás este blog. Recuerdo una época en la que reseñábamos series, grandes obras de esta nuestra edad de oro de la televisión, que tanto nos está durando: Breaking Bad, Shameless, Gravity Falls, Stranger Things, Narcos... Todas excelentes, verdaderos cúlmenes del arte de tenernos pegados a la pantalla del salón entre veinte y setecientos minutos (que es lo que estimo durará el capítulo final definitivo de las aventuras de Eleven y sus amigues).

Pero en algún momento, nuestro déficit de atención se fue acentuando. Instagram, Snapchat, TikTok, esos vídeos que comparte tu tía la facha en los estados del Whatsapp... clips muy breves, pensados para consumir de manera inmediata, como ese helado que como te distraigas un rato se te derrite y te deja las manos ahí, todo pegajosas. Incluso plataformas de streaming enteras han surgido para cubrir esa demanda, intentando proyectar en nuestras retinas ficción en formato corto, todas ellas fracasando en lo que dura uno de sus vídeos. Pero si por algo se conoce a El Corte Inglés, aparte de por el tatuaje que se hizo aquel friki yanqui, es por su sección de perfumería. Sí, su intento de capturar la imaginación del público con una serie para la generación Z tuvo un resultado igual de desastroso.

Carretera perdida (1997)

Llega un momento en la vida de tode cinéfile en el que debe iniciarse en la filmografía del sultán del surrealismo mainstream, si es que existe tal cosa, David Lynch, y sacarse de una vez por todas el carné de pedante: es una prueba del tornasol que decidirá tu futuro, tus amistades, las fiestas a las que vas, y la calidad génica de tu progenie, tal vez. Yo me he enfrentado a su obra en contadas ocasiones, con resultado generalmente mixto: como con Joy Division, o Alan Moore, me tiende a gustar más la idea de Lynch que el contenido en sí: Terciopelo azul es digerible y pulida, pero algo dispersa; Mulholland Drive es una experiencia increíblemente atrapante cubierta de varias capas de ensueños opacos que me impiden ver mucho más allá de la superficie. Twin Peaks, o al menos la serie original que consumí en su día (igual hace ocho años, no cuando salió, que yo no era ni anteproyecto de cigoto) con delectación, me parece la telenovela más divertida que existe, pero hasta yo reconozco que cuando se pone intensamente paranormal no puedo más que asentir con la cabeza y dejar que pase un rato hasta que volviera a aparecer Catherine Martell disfrazada de inversor japonés, o lo que estuviera pasando en ese momento.

Margin Call (2011)

 

Se ve que los bancos a menudo hacen cosas malas. Hollywood tiene a bien recordárnoslo de vez en cuando, con esas cosas como Wall Street, o ¡Qué bello es vivir!, o Wall Street 2. Más allá de que suele ser una apuesta segura a la hora de llevarse estatuillas doradas que luego fundir y convertir en oro, preciado oro en lingotes, seguramente se explique porque no hay nada más que le guste a un actor que ponerse un traje a medida y grabar escenas en las que grita, esnifa cocaína, o hace ángeles de billetes de 100$. Es veda abierta para comerse el escenario. Por eso casi todas las películas de este género de tiburones financieros y comerciales (La gran apuesta, El lobo de Wall Street, Glengarry Glen Ross) tienen un elenco estelar coral casi unánimemente compuesto por machos engorilados. Y aquí está Margin Call, cumpliendo las expectativas, con solamente Demi Moore (y el nombre aislado de Mary McDonnell, que hace de "mujer de", y no aparece físicamente en el poster, ni prácticamente en la cinta) reduciendo ese ratio de testosterona a los niveles inaceptables de 7 a 1. Como siempre, esto lo escribo antes de empezar a ver la película, así que podría ser que haya un comentario sagaz al respecto de la desigualdad de género, pero creo que no voy a lanzar las campanas al vuelo.

Por lo demás tenemos a Spock, el Mentalista, Visión, la voz de Scar, el chiquín de Gossip Girl, un pedófilo exculpado, y Stanley Tucci, el mejor actor de su generación. Un plantel desde luego bastante respetable, aglutinando 3 Oscars entre todos, de los cuales 2 fueron a parar al declarado no culpable de ser un tocaniños. Estoy en ascuas de ver a todos estos gigantes de la interpretación, y también a Simon Baker, por qué no, batirse en duelo en el cruel mundo de la especulación económica.

American Honey (2016)

 

Yo cuando escojo pelis para ver yo sólo las saco al azar de una lista, lista que ha dado en proveerme con ya dos cintas maratonianas con presencia inevitable de imbéciles con un presunto historial delictivo para con artistas pop geniales; primero Lars von Trier y su (a regañadientes) admitiré que muy meritoria Dogville y ahora el tonto'l higo de Shia LaBoeuf, que coprotagoniza este American Honey, del que conozco poco ahora (antes de verlo), pero que apunta a una especie de Miedo y asco en Las Vegas solo que pasado por un filtro a lo Harmony Korine que me da un poco de repelús así de entrada. Pero fiémonos de la directora, Andrea Arnold, que tiene un fantástico repertorio de películas (Fish Tank) y series (la segunda temporada de Big Little Lies) que a decir verdad no he visto. Más confianza aún, si queremos, podemos depositar en la ya casi legendaria productora A24 (aunque por aquel entonces sobre todo distribuidora... justo unas semanas después saldría a cines su primera producción, una tal Moonlight), que ya apuntaba a garantía de éxito con lanzamientos recientes: Ex Machina, La habitación, La bruja, Enemy, Under the Skin... Poca broma con estos.

De American Honey han dicho de todo: "picaresca millennial" (lo que yo quería, el Lazarillo de Tormes con los Airpods), "road movie sin mapa", "gloriosa parranda de mezcal", o "historia racista que romantiza el abuso y las microagresiones" (oh boy). Pero no hagáis caso a necedades, también conocidas como las opiniones de cualquiera que no sea yo. Sé lo que pide la gente: una narración de las mías.

Pinocho (2022)

 

Alguien, alguien perverso, decidió que 2022 iba a ser el año de Pinocho. De Guillermo del Toro me lo espero, porque no ha tenido una idea que no me produzca gastroenteritis en casi veinte años, pero ¿Zemeckis? El responsable de grandes joyas como ¿Quién engaño a Roger Rabbit?, Regreso al futuro o Forrest Gump decidió en 2004 tirar su carrera a la basura poniendo un muñeco de Blender con la cara de Tom Hanks en un tren expreso al Polo Norte y desde entonces no ha levantado cabeza. Roger Rabbit ya pronosticaba una confusión de realidad y dibujicos que ha terminado por definir el poco estilo cinematográfico que ha tenido Zemeckis siempre, desafiando constantemente nuestro sentido del gusto con animaciones que residen cómodamente con pareja y varios hijos en un loft del valle inquietante. Las brujas era absolutamente vomitiva, y como sus zarpas codiciosas han perdido la capacidad de desarrollar una historia original, ahora viene a expoliar el clásico de Carlo Collodi. Y ni siquiera con gracia, a diferencia de esos rusos locos. 

Full disclosure: si he visto la original del 1940, fue hace mucho, muchísimo, así que es probable que buena parte de la crítica furibunda que voy a dedicar a este asesinato audiovisual sea en cierto modo reciclable para la antigua, pero lo dudo. Por tono, por encanto, por novedad, no se me ocurre de qué manera todo esto podría ser peor.

Moonlight (2016)

Cuando Todo a la vez en todas partes empezó a sonar como una seria candidata a llevarse premios de renombre, elegí no ilusionarme. No porque crea que estos galardones sean totalmente irrelevantes, que un poco sí, si no porque Hollywood ya me había dado la espalda antes. Primero, mi obsesión por Boyhood se vio recompensada con una traición, al elegirse Birdman como la mejor cinta de ese año (en retrospectiva, una decisión más que aceptable). Pero la gota colmó el vaso un par de años después, cuando, tras haberse leído su nombre después de las palabras "and the Oscar goes to...", el equipo de La La Land, peli que me encandiló como pocas, se fue sin la recompensa final, optando la Academia en su lugar por... Moonlight. Una película que, siete años después, no había visto, pero que ando más que predispuesto a aborrecer por vendettas inanes. 

Del autor Barry Jenkins sí que he tenido el placer de degustar El blues de Beale Street, una historia sobre un romance asediado por el racismo institucional que se desarrolla a la velocidad de la manteca. Está fantásticamente filmada y dirigida, con una fotografía sensacional, pero el ritmo es tan glacial que hay que estar un poquito mentalizado antes de verla. Por lo que sé, la temática de Moonlight no se desvía en demasía de esto, aunque añade el ingrediente LGBT a la ecuación, y a Mahershala Ali, que siempre se agradece.

Dogville (2003)

Dogville, la obra magna del mamarracho (en el mejor de los casos) de Lars von Trier, dura tres horas. Yo esto no lo sabía, pero una vez uno decide ver una película, lo hace con todas las consecuencias. El danés, que al principio de su carrera se aferraba a los mandamientos del Dogma 95, una especie de movimiento de cinema verité donde el que usa música no diegética es un parguela, hace un giro de 180º y sitúa este épico filme en un almacén con líneas pintadas en el suelo. Tras haber sufrido años los límites de tener que rodar en escenarios naturales y no en los artificiosos sets de los estudios, aquí da un triple mortal con tirabuzón y prescinde por completo de ambas cosas: deja como ejercicio al espectador lo del diseño de producción, que él ya tiene suficiente trabajo con lo suyo. Como es obvio, al público de a pie le parece un peñazo grandilocuente, pero hay quien afirma que es una maravilla revolucionaria. ¿Cuál es mi opinión? Acompañadme para saberlo, pero antes veamos cuál es la trama de esta impenetrable cinta.

Ahora y siempre (2012)

El cáncer apesta. Es injusto, devastador, y terrorífico. Un mal que no le desearía a nadie.

Eso pensaba antes de ver Ahora y siempre; desde este momento, tengo que conceder que bajo determinadas circunstancias, puede quedarse hasta corto.

Las circunstancias se llaman Tessa, de 17 años, manipuladora de manual, egocéntrica irrecuperable, criminal en potencia y adolescente hiperferomónica, que ha decidido convertir su leucemia en la excusa perfecta para hacer lo que le da la gana, que a su edad viene a ser restregarse con quien le apetezca. Pero pobrecita, nadie la comprende, porque el destino la ha maldecido con un padre entregadísimo y muchachos que se le arriman pero que sienten lástima cuando descubren que está enferma. Y ella no va a autocompadecerse, salvo cuando le sirve para salirse con la suya, claro.

Con la omnipotencia que otorga saber que va a morir pronto, se dedica a arruinar la prosperidad de las vidas ajenas, robando tarjetas de crédito y productos de belleza como si fuera candidata del PP, a consumir setas alucinógenas, y a subirse a árboles muy altos para contemplar la infinidad del cosmos y que la dejen en paz, que la que se muere es ella. 

Cerdita (2022)

Este año, dicen por ahí, ha sido uno de los más milagrosos de la historia reciente del cine español, y Cerdita, tras el éxito cosechado por el cortometraje original en el que se basa (un Goya, un Forqué), quizá era de los filmes que más expectación despertaba. Y sin embargo, es posible que se haya visto eclipsado finalmente cuando ha llegado la temporada de premios, llevándose a casa solamente un (más que merecido, por otro lado) premio Goya a la mejor actriz revelación para su protagonista, Laura Galán. Aunque visto de cierto modo, no sé hasta qué punto es una revelación que interpretes estupendamente al mismo personaje al que ya interpretaste estupendamente hace cuatro años, pero es algo que no voy a ponerme a discutir ahora.

Similarmente a Madre del también galardonando en la última entrega de los premios de la Academia del Cine, Rodrigo Sorogoyen, el corto (regrabado) actúa como prólogo de la película completa: Sara es una joven de un pueblo extremeño que es objeto de un odio atroz e inexplicable por culpa de su aspecto físico. La crueldad a la que se ve sometida especialmente por las muchachas de su edad, incluida una supuesta amiga que intenta esconder cualquier relación para salvaguardar su reputación a ojos del resto, es insólita y me atrevería a decir casi que poco creíble, aunque ya uno se espera cualquier cosa de la gente que hay por ahí. La familia de Sara vive totalmente ajena a esta realidad, con una madre controladora e insoportable (papel que Carmen Machi retrata con esperada solvencia) y un padre bonachón pero bastante despreocupado. A la niña la traen loca: que si qué haces por ahí que no estás estudiando para la recuperación, que no estés todo el día en casa que te dé el aire... Y la pobre Sara queda atrapada entre la asfixia doméstica o el martirio público.

Érase una vez en... Hollywood (2019)

Hace cosa de un año me metieron en un grupo de Whatsapp que prometía ser una sociedad secreta de discusión musical, pero que pronto se reveló como una madriguera de esnobismo y negatividad. Y de un consumo desaforado de sustancias, pero eso es aparte. Hablo de esto porque Tarantino ha sido la última vaca sagrada en ser sacrificada sobre su altar, habiéndose pronunciado frases como "mojón de buey", "el mayor mierdón que he visto este año" y "prefiero ver Torrente". Más allá del criterio de este particular grupo de personas, que seguramente sólo fingen ser más hipster de lo habitual, sí que hubo una reflexión algo menos frívola sobre el cine de Tarantino, cuando alguién se preguntó: "¿qué peli de Tarantino tiene trama?"

Si entendemos como trama aquello que guía a los personajes hacia una conclusión, es verdad que muchas son meramente una sucesión de escenas. Pulp Fiction sería la máxima expresión de ello, pero también Reservoir Dogs, y Malditos Bastardos hasta cierto punto. Pocas veces hay una narrativa que se propulse hacia adelante, y no sólo porque nuestro querido Quentin adore la metaficción, el flashback y la no linealidad, recursos que por supuesto aparecen en Érase una vez en... Hollywood en distinta medida, si no porque incluso cuando no están éstos, a los personajes de sus historias simplemente les pasan cosas, sobreviven (o no), y vuelven a su vida como si tal cosa.

Un chihuahua en Beverly Hills 3: ¡Viva la fiesta! (2012)

"En un mundo de perros grandes, Rosita, tu papá es bastante pequeño. Pero no dejé que mi talla sea una desventaja, solo aprendí a usarla. Hago que los perros grandes deseen ser pequeños. Tú eres Rosa Cortez: haz parte de ti lo que te vuelve diferente."

Decía Walt Whitman que era inmenso y contenía multitudes. Así me siento yo cada día de mi vida, intrigado por ver una película experimental de Chris Marker cuando de repente Air Bud: Spikes Back (la quinta entrega de la saga, en la que el golden retriever favorito de los televidentes demuestra su talento en el volley-playa) entra en mi radar y se niega a irse. En el tiempo limitado de vida del que disponemos, este tipo de decisiones se nos presentan una y otra vez, y aunque nuestra faceta arribista quiera obedecer a los omniscientes críticos que prometen que La jetée, en su esplendorosa e influyente media hora de imágenes fijas, es una genialidad, la realidad es que no contiene en ninguno de sus fotogramas a un perro jugando al voleibol. 

Por sumar citas célebres a esta crítica, cuyo objeto en el momento de escribir estas líneas desconozco, Guy Debord sentencia: "el aburrimiento es contrarrevolucionario". La cuestión: ¿al elegir entre las cinco horas del Novecento de Bertolucci, epopeya sobre la lucha de clases, y Princesa por Sorpresa 2, cuál es realmente más revolucionaria? Pista: es aquella cuyo director no es cómplice de abuso sexual.

Perros que hablan, estudiantes marginadas que pasan a convertirse en reinas, policías infiltradas en concursos de miss... El capitalismo ha intentado sabotear la frase de Debord intentando entretener y apelando al mínimo común denominador, pero los resultados son tan nefastos (al menos a lo que se refiere al impacto sociocultural) que provocan un efecto de retroceso sobre el propio sistema. Su propio détournement. Así que mientras la élite académica se rasga las vestiduras ante las obras maestras, facilitando a los poderosos apropiarse de ellas, el único verdadero reducto de la revolución es Un chihuahua en Beverly Hills 3: ¡Viva la fiesta!

Cómo Entrenar a tu Dragón 3 (2019)

Somos tú y yo, amigo. Siempre

Todo acaba. Sí, es duro admitirlo; pero todo acaba. Incluso lo más bonito como el Madrid de las tres Champions seguidas. Y cuando llega el final podemos reaccionar de muchas maneras. Podemos seguir intentando alargar el chicle hasta que se convierta en un mal chiste, o darle una despedida con un buen sabor de boca acorde a los buenos tiempos. Cómo Entrenar a Tu Dragón se ha despedido de está última forma, con sus armas y cierto agotamiento, pero al final de cuentas de forma satisfactoria.

La saga es uno de los grandes éxitos de Dreamworks, y por méritos propios ya señalados de forma fantástica por Pablo Lafuente tanto en su primera como en su segunda entrega. Cómo Entrenar a Tu Dragón impactó primero por su acción y nos enamoró con su trama, sus personajes y un Desdentao que es más gato que dragón. Ahora nos trata de conmover (al lado de mi asiento había un grupo llorando en el final) al tiempo que se despide de nosotros. ¿Cómo ha resultado este último vuelo?

Green Book (2019)

Así que si no soy suficiente negro y no soy blanco, entonces dime, Tony, ¿qué es lo que soy?

¿Se ha puesto todo un poco intenso con los Oscars? La verdad es que a mí no me gustaron tampoco. Sabía que iba a ser una mala noche cuando nada más empezar Regina Hall le quitó el Oscar a Rachel Weisz. Luego ya llegaron los premios a Bohemian Rhapsody - incluyendo el incomprensible por mejor montaje -, la alegría de ver a Spiderman: Un Nuevo Universo llegar a lo más alto y finalmente todo estalló cuando tras un sopor absoluto Green Book dio la campanada y se llevo el Oscar que se merecían La Favorita o Roma. A partir de ahí, una parte de la crítica ha decidido apalear a la película. Y no creo que se lo merezca.

Green Book es una película fácil de ver. Con todo lo bueno y todo lo malo que tiene. No vamos a ver grandes pretensiones, es simpática, es divertida e incluye una moraleja final que te hace sentir mejor persona tras su visionado. No va ni aspira a cambiar el mundo. Ni falta que le hace. Los Oscars pueden haberse equivocado o no, pero eso no hace mejor o peor película a Green Book. De hecho la prefiero a Moonlight.

La Balada de Buster Scruggs (2018)

-La incertidumbre... se necesita en algunas cosas de este mundo. Mirar hacia delante es la única certeza que tenemos. Creo que la certeza en lo que podemos ver y tocar rara vez está justificada. ¿De los tiempos remotos, qué certezas han sobrevivido? Y aún así nos esforzamos en crear más. Deseamos apoyarnos en ellas. La certidumbre es el camino fácil.

Poco a poco Netflix va cambiando el mundo desde la rutina de pareja al mundo del cine, que está en ebullición debido a las ambiciones de la compañía de ser respetada no solo por sus series de producción propias sino por sus películas. Tienen dinero, éxito, un público fiel y compran todo lo que pueden (Annihilation es el ejemplo con más éxito) y tras haber llegado a los Oscars, ahora van a los festivales de prestigio con Roma de Alfonso Cuarón, un gran nombre que se una a la lista de cineastas de prestigio en nomina con la gran N como Martin Scorsese o los hermanos Coen.

Los Coen son uno de los grandes creadores de cine contemporáneo. Pocos han conseguido ser tan personales, creando un estilo propio que a la vez se ha ido adaptando a multitud de géneros; y por otro lado han tenido reconocimiento popular con obras que han marcado la cultura popular como Fargo o El Gran Lebowski. A los Coen les gusta honrar sus influencias y una de ellas es el western, al que ya se aproximaron con Valor de Ley, e incluso se podría considerar No es País para Viejos otro ejemplo. Y ahora vuelven a hacerlo en todo un homenaje a este género cinematográfico como es La Balada de Buster Scruggs.

Bohemian Rhapsody (2018)

También me gustas, Freddie. Búscame cuando te gustes a ti mismo

(Creo que todos conocemos la vida de Freddy Mercury, así que voy a permitirme la libertad de hacer spoilers)

De vez en cuando sale un biopic de alguien tan extremadamente conocido que por fuerza mayor su película va a tener la atención de la audiencia. En este caso le ha tocado a Freddy Mercury, el cantante de una de las bandas más idolatradas del planeta como es Queen. La vida de Mercury fue intensa y además tuvo un final trágico tras contraer SIDA. Cierto es que esos últimos años tan dolorosos y algunos otros aspectos como los roces con otros miembros de la banda se disimulan y no es un relato veraz, de hecho en varios momentos miente flagrantemente. Pero esto es cine, y va de captar la esencia y de la emoción, y esto lo consigue la película. 

Y la verdad es que siendo estrictos Bohemian Rhapsody no es gran cosa. Es una película cumplidora sin duda, pero no mucho más. Entonces, ¿por qué la gente se ha vuelto loca con ella y aún semanas después del estreno llena salas de cine? Porque emociona, especialmente al fan y los fans de Queen han dado mucho la turra, algo de lo que son expertos. Además es una figura archiconocida que no necesita que Freddy sea tu ídolo para saber y emocionarte con su dramático final. Mucha gente se ha  sentido conmovida en los minutos finales y además la película en ese aspecto sabe que hacer en una majestuosa escena final que es el concierto mítico de 1985 Live Aid.

Daredevil (Tercera temporada)

Estuvo años intentando que yo me enfrentara a mis miedos, que entendiera que me esclavizaban, que me separaban de mis seres queridos. Me aconsejó que trascendiera mis miedos, que tuviera el valor de perdonar, y que viera las posibilidades de ser un hombre sin miedo. 

Es difícil estar a la altura de ti mismo cuando llevas siendo la joya de la corona de las series nacidas de la alianza Marvel-Netflix. Daredevil ya tenía un legado de dos temporadas sobresalientes en las que hemos disfrutado de uno de los personajes más interesantes de Marvel y de su universo de artes marciales con Elektra, Stick, La Mano o Punisher. Y lo mejor es que aún le quedaba cuerda, sobre todo cuando tras el finalazo del crossover The Defenders vimos que el próximo camino era adaptar uno de los cómics más laureados del hombre sin miedo: Born Again.

Born Again es una de las obras cumbres del personaje, obra del polémico y genial Frank Miller y de los dibujos de David Mazzuccheli. En él, Miller volvía a retomar al personaje que hizo suyo cuando estaba desahuciado y casi condenado, y lo hace para refundarle y sumergirle en las más negras aguas ponzoñosas para resurgir como un héroe sin mácula. Evidentemente, la adaptación es imposible que sea fiel (el cómic se inicia con una Karen Page degradada al extremo, metida a actriz porno, y tan necesitada de un chute que acaba vendiendo la identidad de Daredevil). Y aunque la adaptación no llega a ser tan cruda y decadente, sí que sabe captar la pérdida de identidad que se sufre tras caer bajo.

Cold War (2018)

-¿Te has ido de putas?

-No tengo dinero para irme de putas. He ido a ver a la mujer de mi vida.

-Vale, entonces dejame dormir.

Una canción puede sonar de forma distinta en cada momento. A veces puede enamorar, otras puede significar el hartazgo de una relación. Hay tantos matices en el arte que pueden cambiar el significado de forma radical, aunque las notas y la letra sean las mismas. Y es el arte, tanto musical como cinematográfico lo que convierte a Cold War de historia de amor melosa y propia de telenovela en una de las películas del año.

Pavel Pawlikowski es uno de los autores más en forma de los últimos tiempos. Ida, su anterior película, ya ganó el Oscar a mejor película extranjera y marcó las bases de un nuevo estilo personal que ha seguido explotando. En Cold War, Pawlikowski nos cuenta una relación de amor imposible con el marco de la Guerra Fría y que tiene un olor claro a cine clásico.