Carretera perdida (1997)

Llega un momento en la vida de tode cinéfile en el que debe iniciarse en la filmografía del sultán del surrealismo mainstream, si es que existe tal cosa, David Lynch, y sacarse de una vez por todas el carné de pedante: es una prueba del tornasol que decidirá tu futuro, tus amistades, las fiestas a las que vas, y la calidad génica de tu progenie, tal vez. Yo me he enfrentado a su obra en contadas ocasiones, con resultado generalmente mixto: como con Joy Division, o Alan Moore, me tiende a gustar más la idea de Lynch que el contenido en sí: Terciopelo azul es digerible y pulida, pero algo dispersa; Mulholland Drive es una experiencia increíblemente atrapante cubierta de varias capas de ensueños opacos que me impiden ver mucho más allá de la superficie. Twin Peaks, o al menos la serie original que consumí en su día (igual hace ocho años, no cuando salió, que yo no era ni anteproyecto de cigoto) con delectación, me parece la telenovela más divertida que existe, pero hasta yo reconozco que cuando se pone intensamente paranormal no puedo más que asentir con la cabeza y dejar que pase un rato hasta que volviera a aparecer Catherine Martell disfrazada de inversor japonés, o lo que estuviera pasando en ese momento.

Heat (1995)

-¿Nunca has querido una vida normal?

-¿Qué coño es eso? ¿Barbacoas y partidos de beisbol?

Hay películas tan grandes que no sabes por donde empezar en una reseña. Heat es una de ellas. Es un auténtico pepinazo, una obra maestra por muchas razones y es difícil quedarse con una sola de ellas. Por un lado, tenemos en los mandos a uno de los directores más cabrones y con más talento de los últimos años como es Michael Mann, tenemos un guión completísimo y cuidado hasta el último detalle (firmado por el mismo Mann) y por último, tenemos como pareja protagonista a nada más y nada menos que a dos de los mejores actores de su época como son Robert De Niro y Al Pacino, en un cara a cara realmente magnífico.

El resultado es Heat, un thriller que es algo más que un gato policía persiguiendo al ratón ladrón. Es una declaración de intenciones de como vivir la vida, y se ve desde el primer robo que abre majestuosamente la película hasta el último cara a cara de Al Pacino y De Niro. Todo detalle está estudiado y cada subtrama está abierta por una razón y lleva a una conclusión.

Alien: Resurrección (1997)

"- Oye, Ripley, tengo entendido que ya te enfrentaste a esas cosas una vez.
- Así es.
- Joder, tía... Bueno, ¿y qué hicíste?
- Morirme."

Adrián: Hoy el mundo ve el estreno de Alien: Covenant. Y a pesar de nuestra apretada agenda, nos quedaba repasar la última película de la saga Alien per se. Ya si eso veremos si hablamos del universo extendido con Prometheus o combates contra Predators. Pero de momento estamos ante la película favorita de Jorge, Alien: Resurrección.

Jorge: Hombre, hablaremos de Prometheus, que no deja de ser una precuela, más que parte del universo extendido. Y luego, de la nueva Alien: Covenant. Dos películas que, sin duda, y lo digo sin haber visto todavía esta nueva, son infinitamente mejores que Alien: Resurrección. Pero porque lo que hizo Jeunet es una puta mierda de proporciones bíblicas. Cuenta tú de qué va esto, anda, que a mí me provoca úlceras.

A: Si os acordáis, Ripley se suicidaba para acabar con el Alien de su interior. Sin embargo, aquí deciden dejar vacío de significado su sacrificio y la clonan. Y con ella a la criatura de su interior. Ya los científicos tienen a su Alien para estudiarlo pero, quién iba a sospecharlo, se escapa y se empieza a cargar a todo Cristo. Solo quedan unos contrabandistas y Ripley, que es mitad Alien ahora.

Alien³ (1992)

"Llevas tanto tiempo en mi vida que ya no recuerdo nada más"

Jorge: Hasta ahora, había cierto acuerdo. Aunque algunos puristas rechazan la cinta de Cameron, la mayoría coinciden (coincidimos) en que tanto Alien como Aliens merecen la pena, cada una a su manera. Ahora bien, con Alien³ comienza la división: el punto más bajo de la saga para muchos (la mayoría), una obra mediocre, pero no tan terrible como su secuela, Alien: resurrección (para otro grandísimo número de gente, aunque algo menor), y una gran película solo comparable o incluso (sic) mejor que Alien, para gente con un criterio un tanto peculiar. Adrián y yo no somos extraños a ese enfrentamiento y representamos los dos primeros grupos de gente: él cree que es la peor de la cuatrilogía central, y yo creo que es una caída que no haría sino caer más bajo. Cuenta a qué nos enfrentamos, Adri.

Adrián: Nos enfrentamos a un sinsentido que no hacía falta rodar. Es un monstruo de Frankenstein de diversas ideas que colisionan en un film que mezcla sectas religiosas, cárceles, sexo sin sentido, autopsias, cortes de pelo y embarazos no deseados. Todo un cóctel molotov que es resultado de una redacción del guión realmente traumática.

One Piece (1999- ???)

¡Buenas a todos! Como este blog está lleno de gente maja que me deja escribir sobre lo que yo quiera, hoy vengo a hablaros de unos de los mejores animes (y manga) EVERRRR. Antes de que os llevéis las manos a la cabeza y soltéis aquello de "Cuando termine, ya la veré" os quiero dejar algo claro: no hay mejor momento para unirse que ahora, porque no sabéis lo que se está cociendo, ¡POR ODA...!

Sí, sé que las cifras acojonan... Más de 800 capítulos de manga, 700 y pico que lleva el anime y 13 películas (contando la de este año) en 19 años de existencia, pero sólo os voy a poner un ejemplo: el mío propio. Yo NO quería ver este anime, no me llamaba para nada la atención y debido a que alguien que me conocía bien insistió e insistió en que lo viese porque me iba a gustar, hice la prueba... En 3 meses (literalmente) me puse al día y tuve que pasarme al manga para poder avanzar algo más...je...jeje...jejejejeje... Ahora bien, si no os importa, yo voy a centrarme en el anime que es lo que mejor conozco. Vamos a ello (prometo avisar cuando vaya a soltar spoilers, el resto del tiempo seré sutil).

Contact (1997)

“- Hay cuatrocientos mil millones de estrellas, sólo en nuestra galaxia. Si sólo una de cada millón tuviera planetas, y de esas, en una de cada millón hubiera vida, y si sólo en una por millón de esas hubiera vida inteligente… habría, literalmente, millones de civilizaciones…

- Si no fuera así… ¡Cuánto espacio desaprovechado!”

A veces parece que los redactores de por aquí nos llevamos fatal, porque ellos no hacen más que amenazarme con un golpe de estado, y yo con bajarles un sueldo inexistente, pero en el fondo nos queremos mucho. Y por eso han tenido el detallazo de dejarme reservada esta crítica, la entrada número 200 del blog que coincide, además, con la celebración del tercer aniversario del blog (técnicamente, cumplimos años el pasado 22 de febrero, pero bueno, ya me entendéis).

Cuando supe que me tocaba la entrada 200 me devané un poco los sesos con el contenido. ¿Estrenos? ¿Algo especial? ¿Listas? Al final decidí decantarme por una de las cosas de las que siempre hemos estado más orgullosos en esta casa: recuperar joyas del cine, a veces un tanto olvidadas o ignoradas con los años, pero que nada tienen que envidiar a las cintas más recordadas y admiradas. Y así tenemos hoy aquí la increíble Contact, uno de los grandes clásicos del cine de ciencia ficción más seria.

Troll 2 (1990)

El póster no tiene absolutamente nada que ver con el producto final. Nosotros tampoco entendemos nada.

Pablo: Buenas y gordas, terrícolas. Quixote y Jorge volvieron hace poco a las críticas conjuntas, y Adrián y yo no podíamos ser menos. Y ojo a lo que os traemos: un clásico de la ponzoña y del mal gusto cinematográfico en toda su expresión. Si no me equivoco, la idea de ver esta cosa fue mía, pero porque leí por ahí que la panzada de risas que te echas vale la pena. ¿Crees que la ha valido, compañero?

Adrián: Muy buenas a todos. La verdad es que a pesar de la pérdida irremediable de neuronas ha merecido la pena. Es tan mala que consigue ser buena. Es un triunfo completo ya que no hay un solo aspecto positivo. Está a la altura de The Room y tiene plaza asegurada en el Olimpo de los clásicos de la serie Z.

Fargo (1996)

Hay cosas más importantes que el dinero. ¿No lo sabías?

Para aquellos que dicen que el cine contemporáneo está muerto, solo hay que mencionar ciertos nombres. Hoy voy a recordar dos que forman una unidad indivisible por razones de sangre. No hay nada como ser hermano para formar un gran tándem creativo, aunque uno de ellos le de por ser mujer como les pasó a los Wachowski. Pero no hablamos de ellos, hoy no, sino de otra pareja aún más grande como son los hermanos Coen, Joel y Ethan. Películas como No es país para viejos, El gran Lebowski o, la película que nos atañe en esta crítica, Fargo.

Aunque los Coen ya habían probado las mieles del éxito, fue esta película la que les consolidó en el grupo de los grandes directores de la historia. Por primera vez fueron nominados a los Oscar, incluyendo las categorías de mejor película, mejor director (en este caso directores), actor de reparto para William H. Macy e incluso se permitieron ganar la osadía de ganar el de guión original y el de mejor actriz para Frances McDormand.

Perfect Blue (1996)

-¿Qué quién soy? Soy un ídolo. No es necesario que existan dos Mimas.

-¡Yo soy la verdadera!

No soy un ferviente admirador del anime, y por ello me da algo de reparo criticar una película de ese estilo, sobre todo cuando colaboro en un blog donde escriben Pablo y Jorge que han sido quienes me han forzado a ver este tipo de películas, con mayor o menor acierto, pero dejando que ellos fuesen quienes escribiesen y sobre ellas. Sin embargo, me veo obligado a publicar la reseña de una película que me ha atrapado por completo y sin riesgo a exagerar, es una de las películas que más he disfrutado.

El ejecutor es Satoshi Kon, que tuvo una corta pero intensa y brillante carrera antes de que un cáncer de estomago se lo llevase por delante. Perfect Blue fue su debut en solitario, al que le seguirían obras como Millenium Actress, Paprika o Tokyo Goodfathers, consideradas por muchos obras maestras.

Terminator 2: el Juicio Final (1991)

"Está en vuestra naturaleza destruiros mutuamente".

Hablemoh de James Cameron, pequeños saltamontes. Amado y odiado a partes iguales. ¿Cómo lo hace el bribón? Bueno, en mi opinión, creo que el amigo James tiene lo que llamamos el síndrome del director cumplidor. O lo que es lo mismo, crea películas francamente buenas, pero que no llegan a obras maestras aunque la gente o la crítica se corran con ellas. Titanic, Avatar, Aliens, Mentiras arriesgadas... especialmente las dos primeras podrían considerarse como las películas más infladas y sobrevaloradas de la historia. ¿Son malas acaso? Ni de coña, ni de lejos, ni por asomo. Son fenómenos rodados de forma efectista y que saben darle al público lo que quieren, y al crítico, hasta cierto punto. Pero ninguno de los dos puede decir que el producto es malo. Aunque lo intenten.

No obstante, creo que Cameron sí puede presumir (y no sé si queriendo o sin querer) de haber creado una obra maestra en un género concreto. Y es que Terminator 2: el Juicio Final supuso un antes y un después en las películas de acción. No hay discusión, no hay parangón, no se puede comparar a otra. Y lo mejor es que por cada año que pasa envejece mejor. ¿Qué guarda la secuela de una cinta de culto de poco presupuesto para merecer tanta alabanza de forma (esta vez sí, Cameron) justificada?

Star Wars Episodio I – La amenaza fantasma (1999)

 

“El miedo es el camino hacia el Lado Oscuro. El miedo lleva a la ira, la ira lleva al odio, el odio lleva al sufrimiento. Percibo mucho miedo en ti”

(AVISO: LA SIGUIENTE CRÍTICA PUEDE CONTENER SPOILERS DE LOS EPISODIOS I A VI DEL UNIVERSO STAR WARS, ASÍ COMO DE OTRAS OBRAS CANON. SE RECOMIENDA NO LEERLA SI NO SE HAN VISTO LAS SEIS PELÍCULAS DE LA SAGA)              

Estos días me descubrí revisionando, por orden cronológico del universo fílmico (que no su orden de estreno… lo cual trae algunos problemas que ya comentaremos), las seis cintas que George Quieropasta Lucas realizó (dirigiendo, produciendo, o poniendo su nombre) de Star Wars. Y dado que soy un fan incondicional de la saga, warsie descarado, decidí que era el momento de reseñar las seis. Pero, en lugar de reseñarlas al uso, haciéndolo con un punto cabrón, intentando sacar todos los errores con los que me topé y que tanto encanto/odio despiertan entre los espectadores.

Y claro, es algo que resulta tremendamente fácil cuando empezamos con el primer episodio de la saga, La amenaza fantasma, que es para la mayoría la peor película de la saga. Salvo para los que dicen que es El ataque de los clones. A veces hasta se pegan por ello.

La letra escarlata (1995)

“—Que Dios me ayude, ¡os amo!

—Que nos ayude a ambos, yo también os amo”

Tiene algo esta película que me hizo sentir la necesidad acuciante e imperiosa de reseñarla. No sé qué. Tal vez el hecho de que me reía mucho viéndola, aún sabiendo que no debería (pues se trata de un dramón romántico-histórico que no veas), al tiempo que me daba mucha penica todo lo que ocurría. Sentimientos muy encontrados.

El caso es que según iban apareciendo los créditos iniciales, y sin saber de qué iba (intuía que sobre el adulterio, por el título, pero no tenía ni idea de qué historia narraba, o en qué época nos encontrábamos, o nada), le dije a mi hermana: “es una peli de Roland Joffé. Habrá temas religiosos, crisis de fe, y pobres indios sufriendo, fijo”. Y, efectivamente, no me equivocaba.

Susurros del corazón (1995)

"Me has mostrado una joya recién extraída de la roca, sé que te has esforzado muchísimo. Eres maravillosa, no hay prisa. Tómate tu tiempo para que puedas ir puliéndola"

Érase una vez en Tokio dos jóvenes de mundos diferentes que comparten un furibundo amor por la lectura. Érase una vez un estudio de animación que nunca dejará de sorprenderme. Érase una vez una película tan sorprendentemente buena, inspiradora y cuidada que poco más se puede hacer que sonreír y disfrutarla. Érase una vez Susurros del corazón.

Lamento esta introducción tan ñoña, pocholines, pero tengo que reconocer que aún no salgo de mi asombro. Y es que esta cinta, centrada más que nada en el primer amor, el romance adolescente, las metas de futuro y las ganas de vivir ha sido la historia de amor (un género que no me llama demasiado) que más he disfrutado desde Nothing Hill. Y ya ha llovido desde entonces. ¿Quién me iba a decir que Miyazaki, el hombre que sueña con aviones, mundos de fantasía y el amor inocente entre infantes iba a ser capaz de manejarse tan bien en algo como esto? Uniendo su talento con la dirección de su gran amigo Yoshifumi Kondo (cuya inesperada muerte le sumió en una depresión tal que estuvo retirado un tiempo), ambos crearon una joya que, aunque no está del todo pulida, sí que maravilla hasta decir basta.

Porco Rosso (1992)

“Prefiero ser un cerdo a ser un fascista”

Hablamos mucho en este blog (tal vez demasiado... o no, porque nunca es demasiado) de Studio Ghibli, y más concretamente de Hayao Miyazaki. Un director que, como ya he/mos intentado explicar a menudo tiene una forma de hacer cine muy especial, muy alejada de la animación de Disney y de la que, en buena medida, beberán otros grandes como Pixar o Dreamworks, pretendiendo una animación más para todos los públicos, y que esté al nivel de cualquier película live action. Y que, ya de paso lo diré, merecía un segundo Oscar antes de retirarse (ya fuera por Se levanta el viento o por cualquier otra cinta suya).

Y la verdad es que, hasta ahora, Miyazaki no me ha decepcionado nunca en esa meta, y tampoco lo hizo el otro día mientras veía Porco Rosso, a pesar de ser una de las cintas más flojas que recuerdo del cineasta nipón. Quizás por ser una obra temprana (aunque ya he visto tres más tempranas que esta, y solo hay una que me guste menos) y anterior a sus obras cumbre, o quizás simplemente porque el aspecto es más infantil y no parece tan trabajada como en otras cintas.

La princesa Mononoke (1997)

"La vida es sufrimiento y dificultades, el mundo y el hombre están malditos, pero aún así insistimos en sobrevivir"

Llegará un día en el que tendremos que mirar atrás y admirar, sencillamente, la carrera de Hayao Miyazaki. Hay portentos en cada estudio de animación que merecen el más amplio respeto (Pete Docter, John Lasseter, Andrew Stanton, Brad Bird o el gran Don Bluth en los 80) pero este señor consigue algo hermoso a la par que insólito: crear mundos, personajes y películas que nunca, JAMÁS, caen en el olvido. Después de haber disfrutado la magnífica El castillo en el cielo, el otro día volví a revisar la que yo, personalmente, considero su obra magna: La princesa Mononoke. Y la disfruté otra vez, como un niño desenvolviendo el envoltorio de un caramelo.

La cosa es que Miyazaki ya había presentado una cinta de una temática parecida en su momento (sí, Nausicaä, te estoy mirando a ti), pero en este caso lleva su fórmula antibelicista y naturalista a la máxima expresión, con unos diálogos, personajes y trama que dejan en pañales todo lo que hubiese concebido anteriormente. ¿Cómo demonios lo hizo? Sigue leyendo...

El Padrino. Parte III (1990)

"Cada vez que enfermo me hago más sabio, cuando muera seré un genio"

Adoro a Francis Ford Coppola. Es un hecho. Todo quisqui amante del buen cine debería. El Padrino y El Padrino: Parte II son dos de las películas más grandes que se han hecho jamás. Apocalypse Now es el éxtasis de la guerra en estado puro. Drácula de Bram Stoker, una obra maestra de su género. Y luego también tenemos la excelente Cotton Club y diversos proyectos cinematográficos ochenteros que cayeron en saco roto, como Peggy Sue Got Married, One from the Heart o The Outsiders. Estos proyectos, en sí no malas películas, sí que le hicieron perder cuantiosas sumas de dinero, que le dejaron prácticamente en la ruina y en una precaria y delicada situación. Quién lo iba a decir: ¡Coppola! El hombre que en los 70 era considerado un Dios del séptimo arte, se arrastraba ahora por Hollywood, mendigando en busca de financiación y, lo más importante: credibilidad.

En esas, alguien le dijo que lo que tenía que hacer para cuadrar sus cuentas era sencillo, aunque nada fácil: concluir la trilogía más grande de la historia del cine. El Padrino I y II habían sido creadas de forma magistral, con todo tipo de elementos y de enormes actores y actrices a disposición de Coppola, dejando el listón tan, tan alto... habían pasado ya 15 años. 15 largos años. Y las cuentas no cuadraban. El dinero escaseaba. Era su último tren. Y lo cogió. ¿Para bien, para mal? Todos los fanáticos de la saga están terriblemente divididos acerca del legado de El Padrino. Parte III, y servidor, que se ha visto esta semana (y con un disfrute indescriptible) la trilogía completa, cree que es el momento adecuado para evaluar una de las películas más contradictorias de la Historia de la forma más objetiva posible. Sobra decir que estáis invitados al debate. Comenzamos.

Drácula de Bram Stoker (1992)

“En la vida hay tinieblas, mi niña, pero también hay luces. Y tú eres la luz de toda luz.” 

Cuando pienso que el fenómeno vampiresco de nuestros días (Crepúsculo) ha alcanzado unas cotas de popularidad y de auge tremendos pierdo muy mucho la fe en la humanidad. Seamos serios: la gente no tiene gusto en estos temas. Y más cuando hay precedentes de Drácula y vampiros en general que le dan mil patadas a ese pedazo de mierda pinchado en un palo (con cariño... MENTIRA). 

Uno de esos precedentes es, de hecho, una de las películas a las que más cariño le tengo en general. Tantas veces la he visto y no me canso, tanta maestría brota por sus poros... auf. En fin, que el señor Francis Ford Coppola, ese que se había sacado de la manga la trilogía de El Padrino y la espectacular Apocalypse Now, ese que en los 80 andaba perdido y con su reputación por los suelos después de haber dirigido más de un producto de dudosa calidad, ese, sí, ese monstruo de la cámara volvió a frotar la lámpara y creó su propia versión de la famosa novela de Bram Stoker, y a la vez el mejor Drácula que ha parido el séptimo arte.

Apollo 13 (1995)

"Houston, tenemos un problema".

¿Quién no ha escuchado esa frase alguna vez? Es más, ¿quién no la ha utilizado en algún momento de su vida? Pocos podríamos afirmarlo sin faltar a la verdad... Y es que no en vano esas cuatro sencillas palabras pronunciadas por el comandante Jim Lovell (al menos en la cinta, en realidad no fue así) están en el imaginario popular de todos, y fueron elegidas por el American Film Institute como unas de las más emblemáticas de la historia del cine (en el puesto 50º, pusieron a esta frase).

Baste ese ejemplo para ilustrar una de las cintas más queridas y conocidas de Ron Howard, cuyo nombre está asociado para muchos con El código Da Vinci, pero que antes de meterse en movidas ideadas por Dan Brown, ya había sido artífice de genialidades como Willow, Cocoon, Una mente maravillosa o Cinderella Man, y que después haría El desafío: Frost contra Nixon, o la muy reciente Rush. Leches, que le nominaron a cuatro premios Oscar y tiene dos. No está mal.

Bichos: una aventura en miniatura (1998)

"¿Por ser una mariquita tengo que ser chica?"

Si la semana pasada tocó hablar de una película respetada y aclamada como Los Increíbles, mucho me temo que en esta tengo que bajar bastante el listón en cuanto a Pixar se refiere. Y no es porque la película sea mala, ojo, simplemente... es floja. Bastante floja, de hecho, teniendo en cuenta quienes son sus creadores. Pero vayamos por partes.

Tras el lanzamiento de Toy Story en 1995, la unión de Pixar y Disney estaba en la cumbre. Sin embargo, uno de los artífices de aquel éxito, Jeffrey Kattzenberg, después de diversos enfrentamientos con los peces gordos de Disney, se unió a Steven Spielberg y David Geffen para crear DreamWorks, la competidora actual de Pixar por excelencia. Y en 1998, ambas tenían pensado sacar una película con una colonia de hormigas como protagonistas, lo cual derivó en demandas y sonoros enfrentamientos que no evitaron una de las curiosidades más grandes del cine: que Hormiga Z y Bichos: una aventura en miniatura saliesen prácticamente una semana después de la otra.

Gattaca (1997)

Durante mucho tiempo postergué el visionado de esta cinta, a pesar de las ganas que tenía de verla, y nunca supe por qué. Finalmente, ayer mismo la pasaron en Paramount Channel (recomiendo fervientemente ver dicha cadena, que no está en absoluto afiliada a nuestro blog), así que aproveché la oportunidad y taché esa casilla en mi lista de cine pendiente.

Gattaca es fiel hija de su tiempo. A finales de los noventa las cintas distópicas, que habían tenido su auge en los años 70 (THX 1138 o La fuga de Logan)  y principios de los ochenta (Blade Runner, 1984…) vieron un repunte que duraría hasta nuestros días, con ciertas fluctuaciones, y que llevó a títulos en los que la mayoría de las veces la clonación y el control genético sustituían a los totalitarismos clásicos (véase El sexto día, o La isla).