Margin Call (2011)

 

Se ve que los bancos a menudo hacen cosas malas. Hollywood tiene a bien recordárnoslo de vez en cuando, con esas cosas como Wall Street, o ¡Qué bello es vivir!, o Wall Street 2. Más allá de que suele ser una apuesta segura a la hora de llevarse estatuillas doradas que luego fundir y convertir en oro, preciado oro en lingotes, seguramente se explique porque no hay nada más que le guste a un actor que ponerse un traje a medida y grabar escenas en las que grita, esnifa cocaína, o hace ángeles de billetes de 100$. Es veda abierta para comerse el escenario. Por eso casi todas las películas de este género de tiburones financieros y comerciales (La gran apuesta, El lobo de Wall Street, Glengarry Glen Ross) tienen un elenco estelar coral casi unánimemente compuesto por machos engorilados. Y aquí está Margin Call, cumpliendo las expectativas, con solamente Demi Moore (y el nombre aislado de Mary McDonnell, que hace de "mujer de", y no aparece físicamente en el poster, ni prácticamente en la cinta) reduciendo ese ratio de testosterona a los niveles inaceptables de 7 a 1. Como siempre, esto lo escribo antes de empezar a ver la película, así que podría ser que haya un comentario sagaz al respecto de la desigualdad de género, pero creo que no voy a lanzar las campanas al vuelo.

Por lo demás tenemos a Spock, el Mentalista, Visión, la voz de Scar, el chiquín de Gossip Girl, un pedófilo exculpado, y Stanley Tucci, el mejor actor de su generación. Un plantel desde luego bastante respetable, aglutinando 3 Oscars entre todos, de los cuales 2 fueron a parar al declarado no culpable de ser un tocaniños. Estoy en ascuas de ver a todos estos gigantes de la interpretación, y también a Simon Baker, por qué no, batirse en duelo en el cruel mundo de la especulación económica.

American Honey (2016)

 

Yo cuando escojo pelis para ver yo sólo las saco al azar de una lista, lista que ha dado en proveerme con ya dos cintas maratonianas con presencia inevitable de imbéciles con un presunto historial delictivo para con artistas pop geniales; primero Lars von Trier y su (a regañadientes) admitiré que muy meritoria Dogville y ahora el tonto'l higo de Shia LaBoeuf, que coprotagoniza este American Honey, del que conozco poco ahora (antes de verlo), pero que apunta a una especie de Miedo y asco en Las Vegas solo que pasado por un filtro a lo Harmony Korine que me da un poco de repelús así de entrada. Pero fiémonos de la directora, Andrea Arnold, que tiene un fantástico repertorio de películas (Fish Tank) y series (la segunda temporada de Big Little Lies) que a decir verdad no he visto. Más confianza aún, si queremos, podemos depositar en la ya casi legendaria productora A24 (aunque por aquel entonces sobre todo distribuidora... justo unas semanas después saldría a cines su primera producción, una tal Moonlight), que ya apuntaba a garantía de éxito con lanzamientos recientes: Ex Machina, La habitación, La bruja, Enemy, Under the Skin... Poca broma con estos.

De American Honey han dicho de todo: "picaresca millennial" (lo que yo quería, el Lazarillo de Tormes con los Airpods), "road movie sin mapa", "gloriosa parranda de mezcal", o "historia racista que romantiza el abuso y las microagresiones" (oh boy). Pero no hagáis caso a necedades, también conocidas como las opiniones de cualquiera que no sea yo. Sé lo que pide la gente: una narración de las mías.

Moonlight (2016)

Cuando Todo a la vez en todas partes empezó a sonar como una seria candidata a llevarse premios de renombre, elegí no ilusionarme. No porque crea que estos galardones sean totalmente irrelevantes, que un poco sí, si no porque Hollywood ya me había dado la espalda antes. Primero, mi obsesión por Boyhood se vio recompensada con una traición, al elegirse Birdman como la mejor cinta de ese año (en retrospectiva, una decisión más que aceptable). Pero la gota colmó el vaso un par de años después, cuando, tras haberse leído su nombre después de las palabras "and the Oscar goes to...", el equipo de La La Land, peli que me encandiló como pocas, se fue sin la recompensa final, optando la Academia en su lugar por... Moonlight. Una película que, siete años después, no había visto, pero que ando más que predispuesto a aborrecer por vendettas inanes. 

Del autor Barry Jenkins sí que he tenido el placer de degustar El blues de Beale Street, una historia sobre un romance asediado por el racismo institucional que se desarrolla a la velocidad de la manteca. Está fantásticamente filmada y dirigida, con una fotografía sensacional, pero el ritmo es tan glacial que hay que estar un poquito mentalizado antes de verla. Por lo que sé, la temática de Moonlight no se desvía en demasía de esto, aunque añade el ingrediente LGBT a la ecuación, y a Mahershala Ali, que siempre se agradece.

Dogville (2003)

Dogville, la obra magna del mamarracho (en el mejor de los casos) de Lars von Trier, dura tres horas. Yo esto no lo sabía, pero una vez uno decide ver una película, lo hace con todas las consecuencias. El danés, que al principio de su carrera se aferraba a los mandamientos del Dogma 95, una especie de movimiento de cinema verité donde el que usa música no diegética es un parguela, hace un giro de 180º y sitúa este épico filme en un almacén con líneas pintadas en el suelo. Tras haber sufrido años los límites de tener que rodar en escenarios naturales y no en los artificiosos sets de los estudios, aquí da un triple mortal con tirabuzón y prescinde por completo de ambas cosas: deja como ejercicio al espectador lo del diseño de producción, que él ya tiene suficiente trabajo con lo suyo. Como es obvio, al público de a pie le parece un peñazo grandilocuente, pero hay quien afirma que es una maravilla revolucionaria. ¿Cuál es mi opinión? Acompañadme para saberlo, pero antes veamos cuál es la trama de esta impenetrable cinta.

Ahora y siempre (2012)

El cáncer apesta. Es injusto, devastador, y terrorífico. Un mal que no le desearía a nadie.

Eso pensaba antes de ver Ahora y siempre; desde este momento, tengo que conceder que bajo determinadas circunstancias, puede quedarse hasta corto.

Las circunstancias se llaman Tessa, de 17 años, manipuladora de manual, egocéntrica irrecuperable, criminal en potencia y adolescente hiperferomónica, que ha decidido convertir su leucemia en la excusa perfecta para hacer lo que le da la gana, que a su edad viene a ser restregarse con quien le apetezca. Pero pobrecita, nadie la comprende, porque el destino la ha maldecido con un padre entregadísimo y muchachos que se le arriman pero que sienten lástima cuando descubren que está enferma. Y ella no va a autocompadecerse, salvo cuando le sirve para salirse con la suya, claro.

Con la omnipotencia que otorga saber que va a morir pronto, se dedica a arruinar la prosperidad de las vidas ajenas, robando tarjetas de crédito y productos de belleza como si fuera candidata del PP, a consumir setas alucinógenas, y a subirse a árboles muy altos para contemplar la infinidad del cosmos y que la dejen en paz, que la que se muere es ella. 

Cerdita (2022)

Este año, dicen por ahí, ha sido uno de los más milagrosos de la historia reciente del cine español, y Cerdita, tras el éxito cosechado por el cortometraje original en el que se basa (un Goya, un Forqué), quizá era de los filmes que más expectación despertaba. Y sin embargo, es posible que se haya visto eclipsado finalmente cuando ha llegado la temporada de premios, llevándose a casa solamente un (más que merecido, por otro lado) premio Goya a la mejor actriz revelación para su protagonista, Laura Galán. Aunque visto de cierto modo, no sé hasta qué punto es una revelación que interpretes estupendamente al mismo personaje al que ya interpretaste estupendamente hace cuatro años, pero es algo que no voy a ponerme a discutir ahora.

Similarmente a Madre del también galardonando en la última entrega de los premios de la Academia del Cine, Rodrigo Sorogoyen, el corto (regrabado) actúa como prólogo de la película completa: Sara es una joven de un pueblo extremeño que es objeto de un odio atroz e inexplicable por culpa de su aspecto físico. La crueldad a la que se ve sometida especialmente por las muchachas de su edad, incluida una supuesta amiga que intenta esconder cualquier relación para salvaguardar su reputación a ojos del resto, es insólita y me atrevería a decir casi que poco creíble, aunque ya uno se espera cualquier cosa de la gente que hay por ahí. La familia de Sara vive totalmente ajena a esta realidad, con una madre controladora e insoportable (papel que Carmen Machi retrata con esperada solvencia) y un padre bonachón pero bastante despreocupado. A la niña la traen loca: que si qué haces por ahí que no estás estudiando para la recuperación, que no estés todo el día en casa que te dé el aire... Y la pobre Sara queda atrapada entre la asfixia doméstica o el martirio público.

Green Book (2019)

Así que si no soy suficiente negro y no soy blanco, entonces dime, Tony, ¿qué es lo que soy?

¿Se ha puesto todo un poco intenso con los Oscars? La verdad es que a mí no me gustaron tampoco. Sabía que iba a ser una mala noche cuando nada más empezar Regina Hall le quitó el Oscar a Rachel Weisz. Luego ya llegaron los premios a Bohemian Rhapsody - incluyendo el incomprensible por mejor montaje -, la alegría de ver a Spiderman: Un Nuevo Universo llegar a lo más alto y finalmente todo estalló cuando tras un sopor absoluto Green Book dio la campanada y se llevo el Oscar que se merecían La Favorita o Roma. A partir de ahí, una parte de la crítica ha decidido apalear a la película. Y no creo que se lo merezca.

Green Book es una película fácil de ver. Con todo lo bueno y todo lo malo que tiene. No vamos a ver grandes pretensiones, es simpática, es divertida e incluye una moraleja final que te hace sentir mejor persona tras su visionado. No va ni aspira a cambiar el mundo. Ni falta que le hace. Los Oscars pueden haberse equivocado o no, pero eso no hace mejor o peor película a Green Book. De hecho la prefiero a Moonlight.

Bohemian Rhapsody (2018)

También me gustas, Freddie. Búscame cuando te gustes a ti mismo

(Creo que todos conocemos la vida de Freddy Mercury, así que voy a permitirme la libertad de hacer spoilers)

De vez en cuando sale un biopic de alguien tan extremadamente conocido que por fuerza mayor su película va a tener la atención de la audiencia. En este caso le ha tocado a Freddy Mercury, el cantante de una de las bandas más idolatradas del planeta como es Queen. La vida de Mercury fue intensa y además tuvo un final trágico tras contraer SIDA. Cierto es que esos últimos años tan dolorosos y algunos otros aspectos como los roces con otros miembros de la banda se disimulan y no es un relato veraz, de hecho en varios momentos miente flagrantemente. Pero esto es cine, y va de captar la esencia y de la emoción, y esto lo consigue la película. 

Y la verdad es que siendo estrictos Bohemian Rhapsody no es gran cosa. Es una película cumplidora sin duda, pero no mucho más. Entonces, ¿por qué la gente se ha vuelto loca con ella y aún semanas después del estreno llena salas de cine? Porque emociona, especialmente al fan y los fans de Queen han dado mucho la turra, algo de lo que son expertos. Además es una figura archiconocida que no necesita que Freddy sea tu ídolo para saber y emocionarte con su dramático final. Mucha gente se ha  sentido conmovida en los minutos finales y además la película en ese aspecto sabe que hacer en una majestuosa escena final que es el concierto mítico de 1985 Live Aid.

Daredevil (Tercera temporada)

Estuvo años intentando que yo me enfrentara a mis miedos, que entendiera que me esclavizaban, que me separaban de mis seres queridos. Me aconsejó que trascendiera mis miedos, que tuviera el valor de perdonar, y que viera las posibilidades de ser un hombre sin miedo. 

Es difícil estar a la altura de ti mismo cuando llevas siendo la joya de la corona de las series nacidas de la alianza Marvel-Netflix. Daredevil ya tenía un legado de dos temporadas sobresalientes en las que hemos disfrutado de uno de los personajes más interesantes de Marvel y de su universo de artes marciales con Elektra, Stick, La Mano o Punisher. Y lo mejor es que aún le quedaba cuerda, sobre todo cuando tras el finalazo del crossover The Defenders vimos que el próximo camino era adaptar uno de los cómics más laureados del hombre sin miedo: Born Again.

Born Again es una de las obras cumbres del personaje, obra del polémico y genial Frank Miller y de los dibujos de David Mazzuccheli. En él, Miller volvía a retomar al personaje que hizo suyo cuando estaba desahuciado y casi condenado, y lo hace para refundarle y sumergirle en las más negras aguas ponzoñosas para resurgir como un héroe sin mácula. Evidentemente, la adaptación es imposible que sea fiel (el cómic se inicia con una Karen Page degradada al extremo, metida a actriz porno, y tan necesitada de un chute que acaba vendiendo la identidad de Daredevil). Y aunque la adaptación no llega a ser tan cruda y decadente, sí que sabe captar la pérdida de identidad que se sufre tras caer bajo.

Cold War (2018)

-¿Te has ido de putas?

-No tengo dinero para irme de putas. He ido a ver a la mujer de mi vida.

-Vale, entonces dejame dormir.

Una canción puede sonar de forma distinta en cada momento. A veces puede enamorar, otras puede significar el hartazgo de una relación. Hay tantos matices en el arte que pueden cambiar el significado de forma radical, aunque las notas y la letra sean las mismas. Y es el arte, tanto musical como cinematográfico lo que convierte a Cold War de historia de amor melosa y propia de telenovela en una de las películas del año.

Pavel Pawlikowski es uno de los autores más en forma de los últimos tiempos. Ida, su anterior película, ya ganó el Oscar a mejor película extranjera y marcó las bases de un nuevo estilo personal que ha seguido explotando. En Cold War, Pawlikowski nos cuenta una relación de amor imposible con el marco de la Guerra Fría y que tiene un olor claro a cine clásico. 

Heridas Abiertas (2018)

-Estoy asustado por sus hijas. Una está en peligro y la otra es peligrosa.

¿Habéis sentido la sensación de que algo no va bien? ¿Habéis sentido que el presente está jodido y que vuestro pasado está podrido? Bien, es hora de conocer a Camille Preaker. Y darte cuenta de que puedes estar peor. O no, a lo mejor tú también te pasas el día rellenando vodka en esa botella a la que echas mano siempre. Quién sabe, por muy mal rollo que de la ficción, la realidad siempre puede superarla.

Sharp Objects (Heridas Abiertas en español) ha sido sin duda la serie del verano. HBO sabía que la adaptación de la novela de Gillian Flynn (la misma escritora que Perdida) tenía un gran potencial y no ha dudado en publicitarla como la nueva True Detective, con la que tiene ciertas similitudes como asesinos en serie, localizaciones, alcohol, nihilismo y autodestrucción. Y claro, cuando el rostro del cartel es una de las actrices del momento como es Amy Adams, vas a tener atención sí o sí.

American Crime Story: The assasination of Gianni Versace (2018)

-Andrew, si tu pudieses pedir un solo deseo, ¿cuál sería?
-Ser especial.

Ryan Murphy ya había logrado un gran éxito con American Horror Story cuando estrenó American Crime Story, un proyecto sobre crímenes famosos y escándalos judiciales de la historia de Estados Unidos. El inicio fue inmejorable, su primera temporada The People vs O.J. Simpson fue un triunfo completo en audiencia y crítica que le permitió conseguir el Emmy a mejor miniserie. El listón estaba alto e incluso se podría considerar insuperable. La siguiente trama tenía difícil estar a la altura y llamar poderosamente la atención con un tema que impactó en el pasado y con un reparto que incluya estrellas y caras conocidas.

Aunque en principio se pensó que la segunda temporada fuese sobre el huracán Katrina y sus consecuencias judiciales, el retraso de la producción ha llevado a que sea finalmente el asesinato de Gianni Versace por parte de Andrew Cunanan quien haya protagonizado la segunda temporada. Un asesinato interesante no solo por acabar con un mediático creador e icono de la moda, sino porque se desconocen los motivos del homicidio, o mejor dicho homicidios porque Versace fue el punto culminante de una serie de asesinatos. ¿Por qué un joven inteligente acabaría siendo uno de los asesinos en serie más recordados en Estados Unidos? ¿Qué le llevó a realizar sus actos? 

I, Tonya (2017)

A Nancy le golpearon una vez y todo el mundo perdió la cabeza. A mí me golpeaban todo el tiempo.

La historia del deporte incluye numerosos ejemplos de superación, relatos de decadencia deportiva, narraciones de caídas en desgracia y también de injusticia social que sufrieron los hombres y mujeres que competían. La vida de Tonya Harding incluye todas y cada una de ellas. La patinadora salida de los suburbios de Portland, pobre, con una vida que la empujaba a ser basura blanca y con un talento único para patinar. Ese don que una madre decidió explotar a conciencia con crueldad para que diese lo mejor de sí. Tampoco mejoró estar casada con un hombrecillo acomplejado y maltratador. Aún así, se convirtió en la primera mujer estadounidense que consiguió el triple axel. Sin embargo, nadie recuerda eso, ya que Tonya es famosa por la agresión de un matón a su rival Nancy Kerringan antes de los Juegos Olímpicos de Invierno.

Con todos estos ingredientes alguien tenía que sacar una película sobre ella. I, Tonya humaniza a una de las grandes villanas del deporte estadounidense, presa de su situación, personal y de unos imbéciles con ínfulas de espías que acabaron con su carrera. Aunque esto es una película y no un juicio o la realidad, posiblemente su imagen pública mejore en esta película, y quien sabe, puede que realmente se aproximen a la verdad (se han inspirado en las entrevistas reales a los protagonistas, por muy surrealistas que sean).

Lady Bird (2017)

-Yo solo quiero que consigas la mejor versión de ti misma.

-¿Y qué pasa si esta es la mejor versión a la que puedo llegar?

Como toda ceremonia de entrega de premios, los Oscars tiene a películas que solo pueden tener como premio estar presentes y ser nominadas. A pesar de su derrota, las nominaciones son un escaparate excelente para darlas a conocer y lograr un mayor atención por parte de crítica y público. En esta edición una de las que más afinidad ha provocado entre el público es Lady Bird, aunque se haya ido de vacío en los Oscar.

Tras una carrera como actriz en el cine independiente, Greta Gerwig debuta en solitario como directora con una película con ciertos tintes autobiográficos sobre la adolescencia y madurar, aunque ella misma ha manifestado las diferencias entre su vida y la de su protagonista. Pero sí ha dejado claro que lo más real es la relación, a veces conflictiva, con su madre. No es el único detalle en el que se centra la película, que ofrece una mirada completa, realista y con encanto sobre la juventud y todos esos problemas gigantes que todos hemos tenido.

La Forma del Agua (2017)

“Cuando pienso en ella la única cosa que me viene a la mente es un poema, susurrado por alguien enamorado, hace cientos de años: “incapaz de percibir tu forma,/ te encontré rodeándome./ Tu presencia llena mis ojos con tu amor,/ hace humilde mi corazón/ porque tú estás en todas partes.”

Ya se han celebrado los Oscars y aunque en este blog tenemos la costumbre de hacer un análisis previo, desgraciadamente unos problemas informáticos lo han impedido. Sin embargo, ya que estamos ¿por qué no un repaso a posteriori de las películas premiadas y nominadas, sabiendo ya el veredicto de la Academia? ¿Y por qué no empezar con la gran triunfadora, La Forma del Agua?

Guillermo del Toro es uno de esos referentes artísticos del séptimo arte que siempre ha atraído la atención tanto de crítica como de público pero que no ha tenido mucha suerte en sus proyectos. No pudo dirigir la adaptación de El Hobbit, tampoco ha podido rodar la ansiada tercera parte de Hellboy y ni todo su empeño ha sido suficiente para fructificar su proyecto de rodar En las Montañas de la Locura de Lovecraft. Toda esta fama de gafe termina este año en el que el director mejicano ha conseguido la doble corona de Oscar a Mejor Película y Oscar a Mejor Director en una edición disputadísima.

Tres anuncios en las afueras (2017)

ADRIÁN: Ya están aquí. Ya salieron los nominados y ya podemos decir que la carrera a los Oscar está encarrilada. Tenemos muchos nombres de los que hablar, algunos por no estar apenas (como el caso de nuestra amada Disaster Artist) y otras por ir ya alimentadas por su triunfo en los Globos de Oro. Y vamos a hablar de la gran triunfadora de esos premios, de Tres Anuncios en las Afueras. Y para ello ha resucitado Álvaro ya que Jorge está ocupado echando cereales y llorando por el comunismo. En fin, bienvenido Álvaro.

ÁLVARO: Muchas gracias por tan calurosa bienvenida. Fue un fresquito miércoles cuando acudí a la sala de cine a ver esta película con el aquí presente Adri, y con el no tan presente Jorge, tras haber visto solamente el trailer algunas semanas antes. Toda la información de la que disponía antes de presenciar el filme era que Frances McDormand daba rodillazos en los bajos a varias personas y que Sam Rockwell estaba inmenso. Por supuesto, no necesité nada más para ser convencido. No he visto ninguna de las otras cintas del director, Martin McDonagh, así que podrías darnos una ligera visión de su trayectoria antes de entrar en materia.

The End of the F***ing World (2018)

A veces todo parece bastante simple. Te ves donde estás y lo tienes realmente claro. Te miras, y piensas "Que le jodan a esta mierda".

Las historias de adolescentes son muy atrayentes. Es un momento de la vida realmente fascinante, donde aún podemos contemplar cierta inocencia infantil, pero también las primeras reacciones frente un mundo que no es un cuento de antes de dormir. Además los propios adolescentes y los jóvenes que creen aún serlo son un jugoso nicho de mercado.

Por ello, y otras razones, Netflix tiene un ojo puesto en las temáticas de adolescentes con ejemplos como su exitosa 13 Reasons Why. Su nueva apuesta de este año está siendo otro gran éxito y está dando que hablar. The End Of The F***ing World es una adaptación del cómic homónimo de Charles S. Forsman. El gran acierto de esta serie británica es aunar el humor negro y la violencia con cierto candor juvenil en un viaje de dos adolescentes hacia Dios sabe donde.

The Disaster Artist (2017)

¿Cuántas veces crees que Hitchcock logró que el público se entusiasmase así?

Cuando un blog tiene ya su historia, tiene artículos que perduran más en la memoria que otros. Uno de los más aplaudidos es la genialidad de Quixote sobre The Room, que fue el inicio de una serie de críticas sobre un submundo de películas de calidad no dudosa, ya que nadie puede negar que sean terribles. Pero ahí escondían su virtud: en las actuaciones exageradas, en las escenas surrealistas, en las frases sin sentido y en los efectos cutres. Todo comenzó por una película que indudablemente sigue siendo nuestra favorita del género, incluso superando a Trolls 2. Por eso desde este blog nos sentimos muy felices en ver a Tommy Wiseau subiendo al escenario de los Globos de Oro.

¿Y qué puede ser mejor regalo navideño para nosotros y el resto de seguidores de esta secta que una película sobre el film que idolatramos? ¿Mejor que un biopic sobre un tipo realmente inclasificable como Tommy Wiseau? ¿Mejor que la película que cuenta como de surrealista fue el rodaje de una de las películas más surrealistas del séptimo arte, basándose en el relato de uno de sus protagonistas, Greg Sestero amigo y quien interpreta a Mark? La Navidad es una fecha mágica y un loco como James Franco cogió el proyecto y lo ha llevado a sus últimas consecuencias, no limitándose a una sucesión de anécdotas hilarantes, sino filmando un canto al cine y a cumplir tus sueños a toda costa, incluso cuando careces del talento necesario para ello.

Animales Nocturnos (2016)

-Cuando amas a alguien, lo cuidas. No lo deshechas. Puede que no lo vuelvas a tener.

Esto es una crítica dirigida sobre todo a los Oscar, aunque sé que no me van a leer pero ya al menos me desahogo. Porque en serio, ¿qué razón ha llevado a la Academia a no nominar a Amy Adams este año con su papel de Animales Nocturnos? Además, la ausencia es doblemente dolorosa porque ya podría haber estado en la lista por protagonizar La Llegada. Ahondando más en la herida, hay que ver que la película dirigida por Tom Ford fue totalmente ninguneada en los Oscar.

Sin embargo, se puede entender que Animales Nocturnos no estuviera en la lista. A pesar de ser mejor película que la ganadora Moonlight, la multipremiada La La Land o incluso mejor que mi debilidad personal que es Comanchería. Los Oscar desconfiaron de una película que a pesar de la elegancia que muestra es también oscura, violenta y compleja tanto de signiicado como de estructura para el público masivo y para cierto sector de la crítica. Por eso, como otras películas anteriormente, no han sido debidamente premiadas. ¿Es para tanto? Ya lo veremos.

American Gods (Primera temporada, 2017)

“The only thing that scares me is being forgotten. I can survive most things, but not that.”

Voy a ser claro desde el primer momento. Como con cualquier adaptación de un medio a otro, hay dos maneras de analizar esta serie: por sí misma, o en relación al libro de Neil Gaiman que adapta. Si lo que buscáis es el primer análisis, probablemente os decepcione esta reseña, porque siendo American Gods probablemente mi novela favorita (si es que puedo escoger solo una), por necesidad he de tomar el segundo camino. Brevemente puedo apuntar que la serie es magnífica, pero no me puedo quedar ahí, y al desarrollar eso tengo necesariamente que hablar del libro (intentaré que sin spoilers).

Como carta de presentación, creo buena idea ver el tráiler y enfrentarte a la serie sin leer más al respecto, pero para quien quisiere ir virgen, el resumen: Shadow Moon (Ricky Whittle) sale de prisión tras cumplir varios años de condena y pasa a trabajar como guardaespaldas/chico de los recados del misterioso Señor Wednesday (Ian McShane). No sabe muy bien dónde se ha metido, pero poco a poco se dará cuenta (muchísimo más tarde que el espectador) de que está en el epicentro de una batalla sin cuartel entre las fuerzas más poderosas que rigen (y son regidas por) los designios del ser humano.